1898 Los Últimos de Filipinas (2016), Roque Baños

61WaPcB5fULEn 1945 Antonio Román dirigió la historia del último bastión español en la Filipinas, el Baler, parapetados tras los muros de  una iglesia resistieron a las fuerzas tagalas y depusieron las armas casi un años después del armisticio, cuando los independentistas filipinos luchaban contra el invasor norteamericano. La historia de Antonio Román, comprendida en la serie de filmes épicos del primer franquismo, fue olvidado hasta este 1898, que devuelve a la gran pantalla el sacrificio de un puñado de soldados que luchaban por el Imperio Español. En esta ocasión, producido por Enrique Cerezo, contó con la dirección de Salvador Calvo en su debut cinematográfico y con un buen puñado de actores españoles, Luis Tosar, Javier Gutiérrez, Karra Elejalde, Carlos Hipólito, Ávaro Cervantes, etc.

La película. 1898 fue la apuesta comercial del cine español para 2016, un proyecto ambicioso y pretencioso que apareció en prensa, noticias, etc., sin conseguir el aplauso unánime de la crítica ya que presenta numerosos vacíos argumentativos, y en ocasiones se ajusta a la versión de 1945. El amor-odio a una patria contradictoria, el sin sentido al sacrificio, es algo muy propio del español, y sin duda se deja entrever en las imagines de este drama bélico.

Las localizaciones del filme se filmaron en Guinea Ecuatorial, Tenerife y Gran Canaria, la importancia de una naturaleza salvaje que aislaba el destacamento de la realidad era importante, así que las primeras imágenes nos llevan a la playa cuando desembarca el destacamento que debe ocupar la aldea de Baler en la isla de Luzón y a los soldados avanzando por el rio en un memorable travelling aéreo.

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El sitio del Baler, encierra escenas bélicas sin sentido, la postura de los oficiales al mando, o la muerte de la tagala (Alexandra Masangkay) que interpretaba la canción “yo te diré” por considerarlo ofensivo hacia la tropa.

La música. La edición comercial de la BSO salió a la luz en 12 de diciembre de 2016 editada por el propio sello discográfico de Roque Baños, Meliam Music, e interpretada por la Bulgarian Symphony Orchestra-Sif 309. Baños es uno del los compositores con mejor proyección en el cine nacional e internacional, ha firmado los pentagramas de Alatriste, Ocho Apellidos Catalanes, Vals de Boda, y siempre con una  solvencia que los convierte en un valor seguro. Nos falta pues una edición oficial de esta banda sonora épica, pero bien podemos disfrutar de un trabajo notable, una obertura howardshoriana, con cor

1898 Los Últimos de Filipinas cuenta con temas sinfónicos, algunos de la propia cosecha del compositor que nos recuerdan a Camino Hacia La Muerte  (No Somos Nadie, 2012), melodías épicas como “atrincheramiento”, que nos envuelven en la sonoridad de los Newton Howard, Hans Zimmer, pero con espíritu de las grandes orquestaciones de los ochenta, o en el Glory de James Horner en el primer tema que abre el filme, una pieza para violín que poco a poco se abre a través de la percusión fluyendo a través del bosque y el mar.

Roque Baños cuida las escenas de tal manera que cogen forma por encima de las imágenes con el riesgo de superar la propuesta artística de Salvador Calvo. Los temas de acción, “asalto al pueblo” o líricos “abandonan la iglesia” se resuelven con una convincente piezas orquestales que rehuyen la épica y se adaptan a las imágenes.

Qué vamos a ver? 1898 Los Últimos de Filipinas es un apuesta del cine español por la historia colonial, aún es reciente el estreno de Palmeras en la Nieve y de la serie Tiempo entre costuras, dos éxitos del actual cine nacional, pero en esta ocasión el tema de El Balear, algo similar al Álamo tejano, puede dejar más de una duda, aunque mantiene el interés sin tener nada que nos sorprenda ya que todos conocemos el final de la historia.

Track list 
1.
La Masacre de Baler
 6:02
2.
Dónde manda Dios no manda capitán
3:27
3.
Atrincheramiento ***
2:09
4.
Deserción
4:10
5.
Opio
3:05
6.
Ataque del Perro
2:36
7.
Naranjas
2:34
8.
Muerte del Padre
2:35
9.
Ella debe morir
2:05
10.
Muerte de la Tagala
5:20
11.
Asalto al Pueblo
6:24
12.
Los Tontos de Baler
2:03
13.
Camino a Manila
3:05
14.
Vuelta a la Iglesia
4:45
15.
Requiem a la Inocencia
3:47
16.
Carta de Claudicación
3:25
17.
Abandonan la Iglesia ***
5:27

 

 

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Passengers (2016), Thomas Newman

71z+fD1nMbL._SL1500_Ciencia ficción con dosis de dramatismo romántico, los dos personajes se debaten entre vivir una vida juntos y perderse el destino final del viaje de la Ávalon, o volver a la hibernación y despertarse 120 años más tarde tras haber renunciado a sus amistades y familia en la tierra. A pesar del marchamo de cine sci fi, no lo es, y aunque el contexto que los rodea sugiera una peli espacial, se trata de una historia romántica. La música de Thomas Newman se adapta a las exigencias del guión, no sobresale en las escenas de tal manera que estaremos pendientes de lo que les ocurre a Jim, Aurora y la fugaz actuación de Laurence Fishburne.

La película. Morten Tyldum se hizo cargo de un guión de John Spaihts que no llamaba precisamente la atención en Hollywwod. La historia de un hombre solitario en una nave con 4999 pasajeros en hibernación y que decide despertar a una elegida para morir con él, no era realmente algo comercial hasta que ese Adan y Eva espaciales se encarnaron en Chris Patt (Guardianes de la galaxia, 2014) y Jennifer Lawrence (Los Juegos del Hambre, El Lado Bueno de las Cosas…). El sentido de la película es puramente existencial, la vida, la muerte, la eternidad y finalmente la lucha por la supervivencia, ya que al drama romántico que suscita la historia de Jim y Aurora tendrá un sentido de salvar la Avalon del desastre cuando un asteroide daño el núcleo del motor, sólo con el sacrificio de Jim lograrán salvar la nave, pero Aurora se niega a pasar el resto de su vida sola.

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Esta historia va de la soledad, del amor…  y si no fuera por la dirección competente del noruego Tyldum y la sólida actuación de sus dos protagonistas el filme hubiese naufragado. Jim Preston (Chris Pratt) despierta por accidente de su hibernación de tal forma que ya no puede volver a ella. La única compañía será el barman (Michael Sheen), un robot que se sorprende de verlo despierto,  y una soledad que lo consume hasta que decide despertar en un acto de egoísmo a Aurora Lane, una prometedora escritora, que viaja con los 5.000 pasajeros a  Homestead II, un planeta colonia, a 120 años de la Tierra. Al principio Aurora se desespera, hasta que acepta el destino ya que cree que se trata de un error fortuito, pero la cosa cambia cuando  se entera que Jim la eligió para que fuera su pareja.

En ese punto, el espectador se habrá visto poseído de un cierto rechazo al ingeniero Jim Preston, ya que actúa por puro egoísmo en contra del futuro de una flamante Aurora, pero así como ella evoluciona y decide vivir junto a él en la escena que debe dejarlo ir para salvar el núcleo de la nave todos aceptamos su destino final.

La Música. Sony Classical editó esta BSO producida por el propio Thomas Newman y Bill Bernstein. Se trata de una partitura cien por cien de un Thomas Newman que no renuncia a su peculiar estilo romántico  en temas con gotas de piano “spacewalk” que nos retrotraen a las piezas de  Meet Joe Black y temas de acción contenidos en el suspense de las cuerdas, “I Tried not To…”, “cascade failures” el resultado es, ciertamente, espacial gracias a las notas de sintetizador.

La música se ajusta al diseño  y a la narración de la música, tanto, que pasa desapercibida hasta que escuchamos el track final, “sugarcoat the galaxy”, un tema para piano y rítmico.

Esta partitura fue nominada a los Oscar en 2017 en una edición dominada por el efecto La La Land.

Puntuación de la película: 7/10
Puntuación de la BSO: 7/10
 Track list:
1.
The Starship Avalan (Main Titket)
4:15
2.
Hibernation Pod
1:19
3.
Command Ring
0:57
4.
Rate 2 Mechanic
2:08
5.
Awake for 7 days
1:25
6.
Crystalline
4:07
7.
Precious Metals
2:07
8.
Aurora
1:44
9.
Robot Questions
2:52
10.
The Sleeping Girl ***
3:14
11.
Build a House and Live In It
2:07
12.
Spacewalk  ***
3:06
13.
Passengers
1:47
14.
50% Of Light Speed
3:13
15.
Cascade Failure ***
2:55
16.
Zero-Gravity
2:44
17.
Never Happy Here
1:21
18.
Red Giant
1:25
19.
Looking For Wrong
1:46
20.
Chrysler Bldg
2:25
21.
Untethered
2:34
22.
You Brought Me Back
5:41
23.
Starlit
3:12
24.
Accidental Happiness
3:03
25.
Sugarcoat the Galaxy (End Title)
3:12

 

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Roman Holiday (1953), Georges Auric

unnamedTodo un clásico del maestro de la comedia romántica William Wilder que realzó la carrera cinematográfica de la actriz Audrey Hepburn en su interpretación de la princesa Anna, una aristócrata cansada de sus obligaciones y que decide escaparse y vivir unos días sin ataduras.

La película. Con guión del novelista Dalton Trumbo y que a causa de constar en la lista de la comisión de actividades antiamericanas, usó el pseudónimo de Ian McLellan Hunter, conquistó la preciada estatuilla de Hollywood por el mejor guión. Ésta fue también la primera gran oportunidad de Hepburn que saltó a la fama como coprotagonista de un Gregory Peck consolidado en el star system.

Joe Bradley, periodista americano en Roman, una noche se encuentra casualmente a Anna durmiendo en la calle, una desconocida que acaba siendo la princesa hereda al trono, y a la que acaba llevando a su apartamento ante la imposibilidad de llevarla de regreso a su casa. A partir de aquí se desatan una serie de situaciones que permiten a la princesa eludir sus responsabilidades junto a un desconocido periodista que al principio busca un buen artículo, pero que acaba comprometido con la intimidad de Anna. Una historia hasta cierto punto bufa, que sirve el entretenimiento de un espectador clásico.

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La música. Willy Wilder contó con la música del compositor francés Georges Auric (1899-1983), un clasicista que desarrolla su carrera a caballo entre cine, teatro y música de cámara. En Roman Holiday nos ofrece una partitura lírica, vital y con guiños a las fanfarrias reales handelianas en “you royal highness” o las marchas militares en “nobody goes, nobody goes out”, dejando entrever su formación clásica en piezas cortas y elegantes, “may i have this dance”.

Añade cierta narración y suspense en el tema “princess escape”, en cambio los temas ”welcome to Rome”,”Piazza di Spagna” son piezas alegres, líricas, dónde el predomicnio de las cuerdas dan un toque de suntuosa elegancia, son pistas en las que Anna descubre la ciudad, y la melodía se torna colorista. En cambio un tema bufo, “streets of rome” combina los acordes de la marcha nupcial con una melodía de acción con toques cómicos.

La partitura de Georges Auric es una buena banda sonora de principios de los 50, anticipando el lirismo de compositores europeos como George Delerue.

Track list:

1. Main Title 3:01
2. Opening 1:41
3. Your Royal Highness 1:04
4. May I Have This Dance 1:11
5. Good Night Madam 1:09
6. Princess Escape 1:42
7. Welcome to Rome 1:06
8. Nobody Goes, Nobody Goes Out 0:49
9. Your Highness is Asleep 1:46
10. Piazza di Spagna 1:30
11. The Colisseum 0:46
12. Streets Of Rome 1:32
13. Dancing in the Tiber River 1:09
14. The Princess and The Barber 1:07
15. Time to Say Goodbye 1:54
16. That Would Be All 1:21
17. The End 0:49
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The Shallows (2016) Marco Beltrami

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Curtido en las mil batallas del cine de terror, suspense, Marco Beltrami se deja atrapar por las fauces del tiburón en The Shallows, un filme dirigido por Jaume Collet-Serra que engrosa su filmografía norteamericana a base de sólidos argumentos y películas que nos mantienen pegados a las butacas.

La película. Fue el séptimo largo que dirigió el realizador catalán afincado en Hollywood, y una nueva apuesta por el cine de suspense que nos mantiene en vilo hasta el final cuando una surfista se queda atrapada en unas rocas tras el ataque de un tiburón. El suspense de la situación lo pone una marea que sube y deja a la chica expuesta al ataque de un depredador que antes se ha aniquilado de tres hombres.

La experiencia de Collet-Serra en el mundo del suspense se sustenta en título de prestigio rodados junto a Liam Neeson (Sin Identidad, 2011; Non-Stop, 2014), y que mantiene el interés del espectador hasta el final.

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Acostumbrado a  dirigir películas con variedad de actores, en esta ocasión casi se queda a solas con Blake Lively (Nancy Adams en la película), una gaviota y un tiburón, sin contar los dos surfistas (Joseph Salas y Angelo Lozano),  el borracho de la orilla, el niño y el conductor Carlos (Óscar Jaenada) que sale al principio de un filme con un horizonte muy azul al principio y que va cambiando a medida que pasa el tiempo. Cosas del paraíso!

La película se rodó en parte en el santuario natural de la isla australiana de Lord  Howe, en el océano Pacífico, y por tanto dista bastante de Méjico.

Blake Lively es la actriz principal, y aunque pueda parecer luce cuerpo, lleva años actuando en títulos comerciales y alternativos como Linterna Verde (2011) o el drama El Secreto de Adeline (2015) sin olvidarnos de Savages (2012) compartiendo cartel con Benicio del Toro o John Travolta.

Nancy Adams, estudiante de último año de medicina, decide emprender un viaje en solitario para encontrarse a sí misma en un paisaje evocado por su madre, recientemente fallecida. De camino a la misteriosa playa se encuentra con Carlos que de camino a casa la acerca hasta un paraje ciertamente salvaje. Mientras surfea es atacada y herida por un gran tiburón y una vez consigue ponerse a salvo en una roca lucha por sobrevivir.

La música. Como no podía ser de otra forma, Marco Beltrami firma una partitura de suspense, una más en su haber, y esta vez para ofrecer su talento al servicio de un tiburón asesino. Esta banda sonora reúne todas las características del cine de terror con temas contienen golpes de percusión y elementos electrónicos que confieren acción “attack on buoy”, y como no puede ser de otra forma resaltando por encima de las cuerdas las estridencias, sonidos metálicos que nos revuelven los sentidos, “first shark attacK”.

En contraprestación Beltrami nos regala un tema lírico, “nancy speech”, una pieza para piano y orquesta que se nos ofrece cadente e inmersa en los pensamientos de Nancy.

Cierra la BSO original la canción de Sia, ”Bird Set Free”, garantía de éxito e inconfundible aportación de la artista australiana.

Puntuación de la película: 7/10

Puntuación de la música: 6/10

Track list:

1. Main title 1:53
2 Nancy and Dad Facetime 0:57
3. First Shark Attack 1:32
4. Swim to surfboard 2:58
5. There’s No Sharks-Dudes Attack 4:15
6. Nancy’s Speech *** 4:40
7. Flare Gun Ammo 2:18
8. Attack on Buoy 1.58
9. Underwater Attack 2:55
10 Carlos and Boy Find Bodies 2:42

 

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Dunkirk (2017), Hans Zimmer

DUNKIRKSi alguien quiere que le recomiende Dunkerque sólo le diré dos cosas, si te gusta el cine bélico y entiendes la narrativa de las imágenes diacrónica, ésta es tu peli, y, por otro lado, si no te gusta el cine bélico, dramático y te gusta la narrativa cronológica: no vayas, aunque te digan que es la mejor de 2017.

Nada nuevo en el universo Hans Zimmer, más electrónico que nunca, más oscuro, el Dunkirk de Christopher Nolan es la última aportación cinematográfica del realizador de Batman por los escenarios de la II WW, en esta ocasión la retirada británica de las playas de Dunquerque ante el avance alemán. Un elenco de actores perfectamente reconocibles y una historia épica en tiempos oscuros.

La película. Christopher Nolan presentó un guión de poco más de cien páginas, y es que en Dunkirk, hay más acción que diálogo en su intento de dar más realismo a la narración. Dicen que el realizador, contrario a los usos digitales de las imágines, rechazó la reconstrucción de buques y edificios, que filmó las escenas en la mismísima playa de Dunkerque y que contrató aviones de la época así como el el resultado final es que bien le hacía falta dar un toque histórico a su relato, ya que nos da la impresión que la evacuación está ocurriendo en la actualidad, con edificaciones actuales en el paseo marítimo. La presencia alemana queda reducida a algunos Stuka y un Heinkel y un torpedo. A pesar de los 6.000 extras, en la playa falta gente, 400.000 soldados, dan para más. Una vez obviamos estos detalles, el filme se mueve entre lo bélico y la supervivencia, el diálogo se hace cada vez más necesario entre los personajes. Es lo que yo llamo,”efecto vacio”.

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El filme empieza sin preámbulos, metidos en las calles de Dunkerque y con un grupo de soldados británicos que se dirige a la playa, sin formación, toda vez que el ejército se ha roto. En este grupo está Tommy, uno de los personajes, el que da vida al tema “tierra”. Otra escena es para Tom Hardy y los tres Spitfire que vuelan hacia las costas francesas, este es el tema “aire” y “mar” es representado por Mr Dawson que se embarca en Moonriver, una embarcación de recreo, junto a su hijo Meter (Tom Glynn-Carney) y George (Barry Keoghan) un amigo de su hijo como voluntario al rescate de los soldados, por el camino se encontrarán con Cillian Murhy, un soldado atormentado por la guerra y que causará la muerte de George en un arrebato de histeria ante el miedo a volver a Dunkerque, y de hecho no llegarán a la costa, ya que por el camino después de rescatar a Collins (Jack Lowden), un aviador de la RAF, serán testigos de la destrucción de un destructor.

La fotografía, muy lograda, corrió a cargo de Hoyte van Hoytema que repite con Nolan tras Interstellar (2014). Entre sus actores Kenneth Brannagh en la interpretación del comandante Bolton, uno de los pocos que reconoce el sacrificio de los franceses.

La música. Nueva colaboración entre Nolan y Zimmer que ha dado títulos como Interstellar, The Dark Knight, títulos que caracterizan la filmografía del compositor alemán, aunque esta ocasión, la BSO no tiene más lucimiento que la de Inception, es más, es un trabajo casi mono-melódico, muy funcional para lo que el realizador necesitaba, nada de grandes piezas épicas y más narrativa. Al salir del cine un espectador dijo algo que ya sabía, pero siempre es bueno escucharlo en boca de alguien ajeno, “la importancia de la música en el cine” sólo se puede medir cuando estas ante un filme narrativo como el que nos propone Christopher Nolan en Dunkirk, y Hans Zimmer y Lorne Balfe sacan todo su arsenal sintético para meternos en situación, y entre estos temas de intriga bélica “the oil” no nos deja indiferentes y más si ante nosotros tenemos las imágenes de la embarcación de Mr Dawson y los soldados atrapados en el petróleo.

“The Mole” sirve de obertura, y aunque se describa sola como un tema que transpira angustia, una vez superpuesto a las imágenes funciona como “We Need Our Army Back” o “shivering soldier”; tras estas piezas de dramatismo y desolación musical, “supermarine” es uno de los temas de acción, una suite de más de ocho minutos, para un combate aéreo, y que es viene a ser el tema más reconocible. Intenso, metálico como “the tide” que parece una llamada dramática a la muerte.

El compositor Lorne Balfe colaboró en “regimental brothers”, así como otro de sus colaboradores actuales Andrew Kawczynski, no rompen con el esquema melódico.

“End titles”, un final esperado, es el tema más atractivo, una suite final, firmada por Hans Zimmer, Lorne Balfe y Benjamín Wallfisch que también pone su firma en “Variation 15” que escuchamos al final acompañando el vuelo del Spitfire del aviador Farrier (Tom Hardy) y que a la postre es el tema que nos hará soñar por su lírica.

En abril de 2017 Hans Zimmer anunció que la partitura estaba en proceso de entrega tras ser “ensamblada” en su factoria y en 21 de julio de 2017 salió a la venta.

Como filme bélico no tiene nada que ver con Saving Private Ryan (1998) salvo las playas normandas, la narración es lo único que cuenta aunque sea a costa de los detalles de la ambientación histórica de Dunkerque, buques de guerra (9 destructores hundidos), comerciales (se calcula en 200 las embarcaciones), aviación (cerca de 400 aviones destruidos en ambos contendientes), etc. lo que confiere una especie de vacío al visualizar el filme que pronto se desvanece ante las imágenes.

Puntuación del filme: 8/10

Puntuación de la BSO: 7/10

Track list:

1. The Mole 5:35
2 We Need Our Army Back 6:28
3. Shivering Soldier 2:52
4. Supermarine 8:03
5. The Tide 3:48
6. Regimental Brothers 5:04
7. Impulse 2:36
8. Home 6:02
9. The Oil 6:10
10. Variation 15 *** 5:51
11. End Titles  ** 7:12
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The Great Wall (2017), Ramin Djawadi

1481747173_thumbPelícula épica de factoría china y  que contó con la participación de actores internacionales, Matt Damon, William Dafoe o la  estrella china de proyección hollywoodiense, King Tian aportan el atractivo comercial a esta cinta colorista y muy vistosa dirigida por Zhang Yimou, que no pasa de simple ensayo de entretenimiento. Y claro está que un filme ambicioso en las taquillas necesitaba de una partitura a la altura, algunas pócimas del taller Zimmer, que llegan de la batuta de Ramin Djawadi, conocido compositor de Game Of Thrones o Warcraft: El Origen.   

La película. Es evidente que éste no será el trabajo por el que Dafoe, en un papel de secundario simplón, o Matt Damon, actor principal sin muchas ocurrencias para salvar a su personaje, sean recordados, ni tan siquiera se salva

The Great Wall es una muestra más del cine grandilocuente que lleva años realizándose en el país asiático. Dicen que China ama Hollywood y que Hollywood ama China, así que el pastiche estaba perfectamente orquestado. Y en algo Zhang Yimou (La Linterna Roja, 1991 o Sorgo Rojo, 1987) se mantiene fiel a algunos patrones chinos como son la lucha, las historias épicas fantásticas, y el enorme colorido que confiere a su filme.

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China, siglo XV. William y Tovar (Pedro Pascal) son dos mercenarios que buscan fortuna con la fórmula de la pólvora negra, pero en su camino a la Gran Muralla son perseguidos por bandidos kitanos, tribus proto mongolas, dispuestas a acabar con la vida de los dos mercenarios. En su camino de huida y durante la noche con atacados por una extraña criatura a la que William le corta un brazo. Con  este presente se hallarán ante el general Shao, el estratega Wang y  la atractiva comandante Lin Mae que ejerce un  atractivo sobre William.

Wang les explicará que cada 60 años los taoties, los monstruos que atacan la muralla, emergen de las entrañas de la tierra para atacar la muralla con el único propósito de atacar la capital y después depravar el resto del mundo conocido. William accederá a ayudar a sus captores chinos para vencer a la horda taotí, mientras Tovar y Ballard (Dafoe) se darán a la fuga.

La música. Otra producción de Djawadi, a la que siguen este año la nueva temporada de Juego de Tronos y Gears Of War 4. El compositor alemán cumple con un trabajo que no ofrece nada nuevo en el frente de batalla, pero que gracias a la comercialización del cine chino se deja oir en otra superproducción.

La banda sonora fue comercializada en China el 16 de diciembre de 2016, mientras que Milan esperó hasta febrero de 2017 para hacer lo propio en el resto del mundo. Ramin Djawadi halla la fórmula para salir airoso, aunque la partitura también deje que desear al explotar fórmulas repetidas como la base oriental, o los temas de acción, y sus influencias en Klaus Badelt y Steve Jablonski. Sin ir más lejos, la obertura, “nameless order”, es una pieza simple, exótica, con toques orientales, y con voces femeninas que confieren una lírica déjà vue, pero ciertamente efectista, y lo mismo escuchamos en los temas de acción, ”first battle”, un puro desarrollo orquestal.The-Great-Wall-Movie-Matt-Damon-1

Música de suspense, “captive héroes”, y lírica en “xin ren”, un tema que centrará el cambio de actitud de William hacia sus captores, el momento que Lin Mae le dice que la confianza en los otros es lo que caracteriza a la orden sin nombre.

“The Great Wall” es uno de los grandes temas, épicos, que merecen escucharse con los altavoces bien altos. Escuchamos el tema de acción que abre la partitura y que se repite en otras pistas, “fog and fire”.

“At the border” es otro de los temas más visuales, el adiós de la tropa al estratega Wang fallecido en un ataque de los taoties, ante los ojos se elevan los globos de papel como nubes de luz hacia las estrellas.

Cierra el cedé comercial un tema prescindible, “bridge of fate”, interpretado por Wang Leehom y Tan Weiwei.

En definitiva: puro entretenimiento cinematográfico, visual y musical.

Track list:

1. “Nameless Order” 4:26
2. “Prologue” 1:49
3. “What a Wall” 3:45
4. “The Great Wall” 4:29
5. “First Battle” 7:38
6. “Captive Heroes” 1:38
7. “A Clean Start” 2:27
8. “We Are Not the Same” 3:17
9. “Xiao Long, General” 1:33
10. “At the Border” (By Zhao Muyang & Wang Leehom 1:29
11. “Foggy Loyalty” 3:01
12. “Fog and Fire” 3:00
13. “The Greed of Man” 1:56
14. “Fools and Thieves” 3:15
15. “The Great Experiment” 2:53
16. “Bianling Boogie” 3:43
17. “Tower Tactics” 4:19
18. “Powder Rangers” 3:27
19. “Xin Ren” 3:55
20. “Bridge of Fate” (By Wang Leehom & Tan Weiewi 4:26

 

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Wonder Woman (2017) Rupert Gregson-Williams

71YJwzZexPL._SL1200_Después de su paso por Fast & Furious quedaba claro que para Gal Gadot había algo más, y ese algo más llegó con el personaje de Wonder Woman, un filme de heroínas, épico, fiel reflejo del cine actual, y que en el apartado musical nos deja una obra ciertamente cargada de leitmotfs zimmerianos a cargo de otro alumno aventajado, el inglés Rupert Gregson-Williams. Y en cuanto a la dirección del proyecto, esta fue para la realizadora y escritora Patty Jenkins, mejorn conocida por Monster de 2003 y por sus trabajos en la serie Entourage (2004-2011). 

La película. Otro personaje del cómic que salta a la gran pantalla bajo la dirección de Patty Jenkins, pero esta vez se trata de un personaje femenino, con lo cual se desataron todas las dudas acerca de su rendimiento en taquilla. La primera aparición del personaje interpretado por Gal Gadot fue en Batman v Superman: Dawn Of Justice (2016), en la cual Diana Prince es un personaje con más fuerza, en cambio en esta ocasión se nos presenta al personaje 100 años antes, más ingenua e idealista. La historia, una versión libre del mito, enfrenta a Diana – Wonder Woman- contra Ares –Dios de la Guerra- en su intento para frenar la  IIWW. Un argumento de lo más simple, algo parecido a Capitán América, pero en versión mitológica. Steve Trevor (al que da vida Chris Pine), piloto norteamericano, cae con su caza cerca de la costa de la paradisíaca e intemporal isla de Themyscira dónde reina la amazona Hippolyta (Connie Nielsen). Diana recibe lecciones de entrenamiento de su tía, la general Antíope (Robin Wright), que la prepara para salir al mundo exterior, hecho que la enfrenta a la reina. La presencia del piloto en la isla abre los ojos a Diana acerca de un conflicto armado de magnitud mundial, es entonces cuando la joven guerrera decide salir y combatir el mal, y conocer, también de una forma muy ingenua el amor por Steve Trevor.

Wonder_Woman_Review

La música. Rupert Gregson-Williams puede considerarse un nuevo llegado al cine de héroes, tras su aportación a la partitura de The Legend of Tarzan (2016), se adentra en el mundo del cómic de la mano de Patty Jenkins y el personaje de Wonder Woman, una heroína con tintes mitológicos. En la más estricta teoria, fue la realizadora quien llamó al compositor de Hacksaw Ridge, 2016 o The Crown, 2016; para que convirtiera Wonder Woman en una realidad musical 75 años después. Como otras obras de su género, Rupert Gregson-Williams dota la partitura de temas que identificamos con los personajes, el de Diana fue estraído de Batman v Superman, y es un tema retentivo que va intensificándose a medida que WW crece en fuerza, “history lesson”, “angel on the wing”. De la misma forma, los temas de acción jalonan la partitura en su desarrollo y recuerdan, en efecto, al maestro del librillo, puro zimmerianismo en “no man’s land” o “wonder woman’s wrath” que nos regala un solo de guitarra. Y si hablamos del Bien, personificado en WW, también hay que hablar del Mal, Ares, con sus leitmotifs en “the god of war”.

La partitura original salió a  la luz el 26 de mayo de 2017 editada por el sello Sony Classical.Sia pone el broche final a un obra aplaudida por la crítica que es un fiel reflejo de las intenciones de Patty Jenkins en Wonder Woman (2017), una película de época para lo cual Rupert encaja su lírica y melodías clásicas y la verdad es que no decepciona ya que brilla en sus grandes temas: “Amazons of Themsycira”, por ejemplo, es su obertura con un evidente sabor a Hans Zimmer ya que recupera el tema de  Wonder Woman en Dawn Of Justice, pero no nos olvidamos de los acordes omnipresentes del Asgard de Patrick Doyle en Thor (2011), un referencia importante sin duda que Rupert Gregson-Williams combinó a la perfección.

“No Man’s Land” es una de las grandes escenas del filme, momento que Diana coge conciencia de sus superpoderes y,así pues, Rupert Gregson Williams tras confesar que reescribió la escena cuatro veces la confiere en un in crescendo. Se trata de una pista suite en la escuchamos varios temas, del tema WW a la acción sin estridencias y guitarra.  Otro de los grandes tema, “hell hath no fury” que escuchamos cuando Diana ve la gran oscuridad, es uno de los tracks más emotivos; aunque quizás la pista más sinfónica y más clásica sea “Trafalgar celebration”, junto al tema “Ludendorff, enough!” con todas sus variables de acción, suspense y épica.

Entre los colaboradores Tony Clarke a la guitarra, Sophie Mojsiejenka al piano, Tina Guo al cello eléctrico…  “to be human” interpretado por una habitual en el cine, Sia, junto a los ingleses Labrinth, cierra el álbum Wonder Woman de Rupert Gregson-Williams.

El resultado es impecable, una banda sonora que se escucha y se deja escuchar, como hacía tiempo que no teníamos en este tipo de género, muy zimmeriana, pero con personalidad propia.

Track list:

  1. «Amazons of Themyscira» 6:47
  2. «History Lesson»5:16
  3. «Angel on the Wing»3:45
  4. «Ludendorff, Enough!»7:37
  5. «Pain, Loss & Love»5:27
  6. «No Man’s Land»8:52
  7. «Fausta»3:20
  8. «Wonder Woman’s Wrath»4:06
  9. «The God of War»8:02
  10. «We Are All to Blame»3:11
  11. «Hell Hath No Fury»3:58
  12. «Lightning Strikes»3:35
  13. «Trafalgar Celebration»4:50
  14. «Action Reaction»5:54
  15. «To Be Human»(Florence Welchand Rick Nowels) Sia featuring Labrinth 4:00
Publicado en OST 2007 | Deja un comentario