Exodus: Gods and Kings (2014) Alberto Iglesias

alberto_iglesias_exodus_gods_and_kings-portadaGrandilocuente superproducción a las que nos tiene acostumbrados Ridley Scott para la puesta en escena de Exodus: Gods and Kings, la historia de Moisés y su enfrentamiento con su hermano Ramsés II para la liberación del pueblo hebreo esclavizado en el Imperio Egipcio. Épica, por lo tanto, con trasfondo religioso y que pone en valor una de las grandes producciones del Hollywood de los cincuenta: Los Diez Mandamientos que interpretó Charton Heston. El apartado musical recayó en uno de los grandes nombres del cine español, Alberto Iglesias, que no defrauda, aun a pesar de la gran cantidad de colaboradores entre los que se cita a Harry Gregson Williams o el argentino Federico Jusid.

La película

Dirigida por Ridley Scott y escrita por Adam Cooper, Bill Collage, Jeffrey Caine y Steven Zaillian, contó con un elenco de actores entre los que sobresale la figura de Christian Bale como Moisés, John Turturro como Seti I, Joel Edgerton como Ramsés II, Sigourney Waever como Tuya, la española María Valverde como Séphora, Ben Kingsley como Nun, Aaron Paul como Josué… Si bien el rodaje se inició en Londres en Pinewood Studios en septiembre de 2013 las localizaciones exteriores se grabaron en España, en concreto en Almería (Macael, Pechina, Desierto de Tabernas) y Fuerteventura, mientras que las escenas de interiores se reservaron a los Pinewood Studios londinenses.

La historia de Moisés no ofrece novedades, toda vez que la fuente principal para su conocimiento son textos sagrados y su veracidad histórica ha sido siempre objeto de discusión al no existir referencias en las fuentes egipcias. En este sentido Ridley Scott contaba con precedentes de calado, como la versión mítica interpretada por Charlton Heston

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Según la leyenda, Moisés se salvó de morir por orden de un faraón indeterminado que dictaminó la muerte de todo bebé varón al ser depositado por su madre en una cesta, llevado hasta el Nilo y conducido hasta el baño de la hija del faraón que lo adoptó. La narración seguramente se inspiró en Sargón I, el primer gobernante que consiguió crear un Imperio, el acádida.

Moisés asciende como príncipe y favorito de Seti I que reconoce su valía pero que debe anteponer la sangre y confiere a Ramses la herencia al trono.

Si bien la imagen bíblica del árbol que arde en el Monte Sinaí aparece, Yahvé cobra la apariencia de un niño que habla de tu a tu al general Moisés y sólo será visible a él. Las plagas sobre el reinado de Ramses II y finalmente la muerte de todos los primogénitos egipcios provocará la liberación de los 400.000 judíos en tierras del faraón y su regreso a tierras de Canaan.

La música

Alberto Iglesias llegó a esta gran producción después de escribir las composiciones para Pedro Almodóvar en Hable con Ella (2002), Los Amantes Pasajeros (2013), La Piel que habito (2011) y partituras que le valieron la nominación a los Óscar y BAFTA por El Topo/Tinker Tailor Soldier Spy (2011), Cometas en el Cielo/The Kite Runner (2007), El Jardinero Fiel/The Constant Gardener (2005). Alberto Iglesias se ha consolidado, pues, como uno de los grandes nombres de la música de cine española, siguiendo fiel al estilo que caracteriza la escuela nacional, sinfonismo y coral con influencias de los clásicos, lo cual constituye un contrapunto a la tendencia dominante de la música mecánica de la escuela zimmeriana que a pesar de eso está presente en algunos temas de acción compuestos por Harry Gregson-Williams. La banda sonora, en este sentido, es híbrida, y da entrada a otro compositor de corte lírico, Federico Jusid que trabaja junto a Iglesias en algunas piezas de la partitura original. Finalmente, otra de las notas, es la gran cantidad de arreglos que se hicieron para dar más realce al filme, y finalmente, tenemos ante nosotros un producto final que se escuchar dentro y fuera de las imágenes.

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Exodus: Gods and Kings no constituye por sí misma ninguna novedad en la filmografía del libro homónimo de la Biblia, como tampoco deja de ser un misterio que si hubo otro filme también hubo otra banda sonora aplaudida por la crítica de su época, y este fue el caso de Elmer Bernstein en The Ten Commandments (1956) o la más reciente para el caso del cine de animación The Prince Of Egypt (1998) de Hans Zimmer.

Alberto Iglesias incluyó interpretaciones solistas vocales y solistas para los instrumentos de cello y viola.

Treinta y dos temas forman la edición comercial de este largometraje que confiere al compositor Alberto Iglesias una gran oportunidad temática incluyendo la épica y las melodías orientales que se nos presentan con toda su intensidad en la obertura coral “opening + war room”.

Tema de acción, “hittite battle” compuesto por Harry Gregson-Williams nos traslada a la batalla de Qadesh, una de las más inciertas de la historia, y que en la versión de Ridley Scott es una de las escenas más espectaculares, para lo que Iglesias compone una pieza de pura acción con elementos propios como percusión y orquesta con protagonismo para instrumentación de viento metal.  En cambio “returning to Memphis” es un contrapunto, lírico, la entrada triunfal después de una batalla son signo incierto.

A  partir de aquí, y ante la proximidad de la muerte de Seti I, la historia de Moisés como príncipe de Egipto, empieza a tambalearse. Los temas “Moses in Pythom” o “nun’s story” nos cuentan la verdad sobre el verdadero origen del hermano adoptivo de Ramses.

“Goodbyes” es un tema para orquesta con toque étnico-oriental en su parte final, mientras “Moses’ Camp” se escucha como un tema grandilocuente para voz solista y orquesta y coral que confieren un elemento épico.

“In The Water” es otro de los grandes temas con final apoteósico al que sigue “the chariots” para coral que define la acción junto a la orquestra.

Con “Tsunami”, obra de Harry Gregson-Williams, entramos de lleno en la parte final de la partitura con la carga de las huestes de Ramses sobre el Mar Rojo y los hebreos huyendo ante la llegada de las tropas y del mar que llega en forma de tornados y de un “tsunami” alentado por la coral mixta.

La banda sonora original fue publicada el 1 de diciembre de 2014 por Sony Classical.

Puntuación de la película: 8/10

Puntuación de la música: 8/10

Track listing:

1. Opening + War Room *** 2:38
2. Leaving Memphis 2:03
3. Hittite Battle (Harry Gregson Williams) 4:15
4. Returning to Memphis 2:36
5. Moses in Pythom 1:49
6. Nun’s Story 2:17
7. The Coronation (Federico Jusid) 2:28
8. Ramses Retaliates (Federico Jusid) 0:52
9. Arm Chop 1:57
10. Goodbyes *** 2:41
11. Journey to the Village 2:14
12. The Vows *** (Harry Gregson Williams) 2:23
13. Alone in the Desert 1:36
14. Climbing Mt Sinai 2:16
15. I Need a General 3:21
16. Exodus 2:52
17. Ramses’ Orders 2:43
18. Moses & Nun 1:47
19. Moses’ Camp ***  (con Federico Jusid) 2:42
20. Ramses’ Insomnia 2:58
21. Hail 2:00
22. Animal Deaths 2:39
23. Looting (con Federico Jusid) 1:18
24. Ramses’ Own Plague 2:04
25. Lamb’s Blood (Federico Jusid) 1:39
26. We Cross the Mountains 2:50
27. Into the Water *** (con Federico Jusid) 3:59
28. The Chariots (Federico Jusid) 1:51
29. Hebrews 0:57
30. Tsunami (Harry Gregson Williams) 5:33
31. Sword Into Water 1:12
32. The Ten Commandments 3:37
Music by: Alberto Iglesias. Assistant score engineer: Jon Alexander, Stefano Civetta. Additional vocals: Raquel Andueza. Solo cello: Dragos Balán, Javier Romero, Jonathan Williams. Violin: Mark Berrow.  Ethnic Soloist: Haig Sarikouyoumdjan, Helen Greenwood, Stuart Hall, Jan Hendrickse, Javier Paxariño, Dimitri Psonis. Violin: Tom Pigott Smith. Viola: Rachel Bolt. Double bass: Steve Mair. Featured soloist: Baaba Maal. Musician: Paul Kimber. Score Mixer: Geoff Foster. Conductor/Ochestrator: Nicholas Dodd, Alastair King. Additional arrangements: Vanessa Garde.  Composer/Additional music: Harry Gregson-Williams, Federico Jusid. Choir director: Ben Parry. Choir: London Voices. Orchestral contractor: Isobel Griffiths. Trailer music: Or Chaustra, Assistant to score mixing: John Barrett. Additional score recording and mixing: Peter Cobbin. Composer trailer music: Mark Denis. Orchestration assistant: Greg Hooper. Music editor: Robert Houston. Protools scoring engineer: Toby Hulbert. Music editor: Richard Whitfield
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Atomic Blonde (2017)

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No cabe duda que uno de los géneros que combina el suspense, el policiaco y la intriga política es el de espías, tan de moda en los años treinta, cuarenta y cincuenta y que fue hábilmente puesto en escena por Alfred Hitchcock. Con el paso de los años y el fin de Guerra Fría este género quedó en desuso y empezó a volver en sus variables de terrorismo islamista. Uno de estos títulos geniales lleva por título Zero Dark Thirsty, dirigida estrenada en 2013 con todo lujo de detalles por Kathryn Bigelow

La película

De estos dos últimos filmes, Atomic Blonde es el que incorpora un cierto look de finales de los 80 gracias a la selección de las canciones que conforman la banda sonora original inspirada en el Berlín decadente de la Caída del Muro en 1989. La película fue dirigida por David Leitch y adopta aspectos de obras precedentes, John Wick (2014) y paralelas a la filmación de Atomic, tal es el caso del corto No Good Dead inspirado en el cómic de Marvel Deadpool o de la futura Deadpool 2 pendiente de estreno. Aun tratándose de un cineasta que ha trabajado multitud de filmes, sobretodo en la faceta de especialista, su filmografía se reduce a cuatro producciones muy recientes y que tienen el común denominador de la adaptación de cómic o novelas gráficas, como es el caso de Atomic Blonde, bajo título, La Ciudad Más Fría (Coldest City), obra de Antony Johnston y el ilustrador Sam Hart y que salió a la luz en España en junio de 2017, siete años después que Oni Press la editada en 29 de mayo de 2012.

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Antony Johnston nos transporta al Berlin Oriental, un argumento que más bien podría ser obra del consumado autor John Le Carré, una bella y veterana agente del MI6, con atributos de heroína, que tanto usa su cuerpo como arma letal cómo para el sexo es enviada a Berlín. Lorraine Broughton interpretada por la siempre efectiva Charlize Theron, debe recuperar la Lista con los nombres de todos los agentes al otro lado del telón de acero, ésta se halla escondida en la forma de microfilm en un reloj. La misión original había recaído en otro agente, James Gascoigne, asesinado por agentes de la Stasi. En ese momento la acción se traslada a diez días después, durante el interrogatorio de los superiores del MI6, Emmett Kurzfeld (John Gooodman) y Eric Gray (Toby Jones) a Lorraine. Broughton. La historia que relata la agente es la de un polvorín a punto de estallar a escasos días de la Caída del Muro. A su llegada al aeropuerto berlinés es esperada por dos agentes del KGB y por la espía francesa Delphine Lasalle (Sofia Boutella). Pronto la agente inglesa se dará cuenta que se ha metido en un avispero y que no puede confiar en nadie, ni en su enlace David Percival -un convincente James MacAvoy- que aparece poco después que ella acabe con los agentes que la interceptaron en el aeropuerto. Oficialmente su misión es la de recuperar el cadáver Gascoigne, pero extraoficialmente debe hacerse con La Lista o lo más parecido a ella, un ex agente de la Stasi, Spyglass que desea desertar a Berlin Occidental junto a su familia después de haber memorizado los nombres de los agentes soviéticos en activo y descubrir quién hay detrás de Satchel, un agente doble al servicio del KGB.

El avispero en el que se ve envuelta Lorraine la lleva a situaciones de lucha hasta que descubre la traición de David Percival que elimina a Spyglass y a Delphine Lasalle con la que Lorraine mantiene relaciones sexuales.

Aunque nos recuerda, poderosamente, la estética de John Wick, Atomic Blonde, es una película de género que resulta de lo más entretenida con giros argumentales.

Música.

Resulta extraño hablar de una banda sonora que no es partitura original, pero en este caso lo original es la combinación musical que David Leitch dispuso para ambientar este filme con covers adaptados. En la mayoría de los casos se salvaron los derechos de autor, y la edición comercial se lanzó al mercado el 21 de julio de 2017. La mayoría de las canciones corresponden a principios de los 80. Les tres en alemán son “Der Kommissar” de Falco (1981), “Major Tom (Coming Home)” de Peter Schilling (1983) y “99 Luftballons” del grupo Nena (1983).

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Entre las canciones correspondientes al pop punk británico, dos nombres destacan, el de David Bowie, “cat people (putting out fire)” y George Michael en “father figure”.

El compositor y colaborador de David Leitch, Tyler Bates, aporta su música al álbum en el tema “Stigmata” del grupo Ministry interpretado por Marilyn Manson, y los “C*cks*cker” y “demonstration”.

Si algo llama la atención en Atomic Blonde, dejando de lado su estética retro de los ochenta, es su música, una combinación ideal para este filme de acción, espías y traiciones.

Tracklisting:

1. Cat People (1981) – David Bowie 6:43
2. Major Tom (Völlig Losgelöst) (1983) –Peter Schilling 4:58
3. Blue Monday by HEALTH (New Order Cover) 4:46
4. C*cks*cker – Tyler Bates 1:48
6. 99 Luftballons (1983) – Nena 3:52
7. Father Figure – George Michael 5:37
8. Der Kommissar – After The Fire 5:41
9. Cities in Dust – Siouxsie And the Banshees 4:04
10. The Politics Of Dancing – Re-Flex 3:56
11. Stigmata – Marilyn Manson & Tyler Bates 5:37
12. Demonstration – Tyler Bates 3:45
13. I Ran (So Far Away)  – A Flock Of Seagulls 5:06
14. Voices Carry  – Til Tuesday 4:19
15. London Calling – The Clash 3:19
16. Finding The UHF Device 2:49

 

 

 

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Murder On The Orient Express (2017) Patrick Doyle

710TU-OMVKL._SL1200_Asesinato en el Orient Express se presentaba con todos los atractivos de una de las historias más conocidas de Agatha Christie y con la dirección de Kenneth Branagh sumada al atractivo de un elenco de actores entre los que sobresalen nombres como el propio Branagh, Michelle Pfeiffer, Wiliam Dafoe, Judi Dench, Derek Jacobi o la nueva sensación hollywoodiense, Daisy Ridley, tras su paso por  Star Wars. El resultado final no es más que otra versión del clásico con el añadido de los actores que dan vida a la historia, sin dudarlo no es lo mejor del cine 2017, pero sí que ofrece una buena dosis de entretenimiento y paisajes nevados. En el apartado musical, pocas novedades, el dos veces nominado a los Oscar por la Academia de Hollywood, Patrick Doyle, fue el encargado de poner música a este nuevo proyecto de Kenneth Branagh.

La película

De la novela se han hecho varias versiones cinematográficas (en 1974 con Lauren Bacall y en 2001 con Alfred Molina como Hercule Poirot), y esta es la que hoy nos ocupa, por lo que vamos a tomar un billete de primera de Istanbul a Calais, junto a personajes que parecen inconexos y que serán la pesadilla de Hercule Poirot quien no tendrá más remedio que rendirse ante la evidencia que entre el bien y el mal existen matices. Los mismos matices que nos llevan a la crítica de la caracterización del personaje interpretado por Branagh, con bastantes quilos de menos, el nuevo Hercule Poirot es más serio y difiere en muchos aspectos del actor Albert Finney que en 1974 dio vida al célebre detective belga. La primera escena nos lleva a Israel durante la resolución de un caso de robo de unas joyas compartidas por las tres religiones, un conflicto que Poirot soluciona de la manera más salomónica, el culpable era un británico.

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Acto seguido la acción se traslada a Estambul, en los prolegómenos de la salida del Orient Express en el cual debe embarcarse Poirot para llegar a Londres a tiempo en la resolución de otro caso, pero deberá compartir compartimiento con MacQueen, un investigador de la policía que también viaja hasta Londres. Curiosamente todo el vagón está lleno, con personajes dispares y con una conexión en el pasado a  través del Caso Armstrong, todo ello se irá revelando a lo largo del metraje.

Comparando con la versión de 1974 que contó con las actuaciones destacables en el caso de Lauren Bacall, la de 2017 no aporta mucho a la historia, esto es algo que ya hemos destacado con anterioridad. Los personajes se mueven por intereses personales y sólo al final se revelan sus conexiones, hasta ese punto, Poirot navega en solitario. McQueen no es más que un sospechoso y un ladronzuelo del malo de la peli, Ratchett, interpretado por Johnny Depp, un hombre inseguro, temeroso de su propio asesinato que no podrá evitar a pesar de su cautela.

Fotografía y vestuario destacan, sin dudarlo es uno de los puntos a favor de esta versión que deja entrever la posible secuela en aguas del Nilo.

La música

No es ningún secreto que entre Doyle y Branagh existe más que complicidad, juntos han compartido cartel desde Henry V (1989) opera prima del realizador a la que podría ser la primera entrega del resurgir de Poirot en la gran pantalla, Muder On The Orient Express, pasando por Thor (2011) su último gran éxito comercial.

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Si la película recurre a paisajes soberbios de montaña y ciudades tan exóticas como Estambul, la banda sonora de Patrick Doyle cobra especial énfasis en la lírica de estos lugares realzando su lado más sinfónico, así  “Jaffa to Stamboul”  es cuando menos un tema esbelto que escuchamos en el momento que el ferri zarpa de Jaifa y entra en el Bósforo hasta la Puerta Sublime.

Doyle confiere a los temas ”The Armstrong Case”, “Ma Katherine”  una dulzura  y toque romántico que sobresale al resto de las melodías que podemos escuchar a lo largo de la partitura, otra vez el piano como elemento narrador que nos cuenta algo más sobre el caso de una niña terriblemente asesinada, y que también se repite en la suite “justice”, la pista más y una de las más emotivas de la partitura.  Y como, aun tratándose de un texto de Agatha Christie, en el que el intelecto tiene un rol predominante, también tendremos oportunidad de escuchar algunos temas de acción descriptiva del movimento en “jaffa to stamboul”, “the orient express”, “departure” con ritmos que sugieren el traqueteo del tren.

Otro grupo de temas de suspense, todos ellos para cuerdas, son “judgement”, “macqueen”, “twelve stab wounds”, junto a las inevitables piezas de desarrollo, “mrs Hubbard”, “this is true”…

Michelle Pfeiffer añade su granito de arena en la carrera por los Oscar a mejor canción original con “Never Forget” una versión del tema retentivo que hemos escuchado a lo largo de la obra; Patrick Doyle no decepciona y firma una obra ciertamente audible y notable ajustado a la base argumental del filme.

La banda sonora original salió a la luz el 24 de noviembre de 2017 editada por Sony Classical.

Puntuación de la película: 3/5

Puntuación de la música: 4/5 

Tracklisting:

1. The Wailing Wall 1:43
2. Jaffa to Stamboul *** 1:27
3. Arrival 2:02
4.

The Orient Express ***

1:29
5. Departure 1:01
6. Judgement 2:29
7. Touch Nothing Else 2:53
8. MacQueen 2:20
9. Twelve Stab Wounds 2:58
10. The Armstrong Case *** 1:22
11. Mrs Hubbard  *** 1:34
12. This is True 2:51
13. Keep Everyone Inside 1:24
14. Confession 1:50
15. Geography 1:24
16. One Sharp Knife 2:24
17. Ma Katherine *** 1:09
18. True Identity 1:45
19. Dr Arbuthnot 1:54
20. It Is Time 1:06
21. Justice *** 9:29
22. Poirot 2:40
23. Never Forget *** 3:58
24. Orient Express Suite  *** 3:20
Music by Patrick Doyle. Assistant engineer: Ashley Andrew-Jones, Alex Fergusson. Composer trailer: Daniel Ciurlizza. Double bass: Steve Mair. Midi preparation: Martin Higgins. Solo cello: Richard Harwood.  Music editor: Robin Morrison, Graham Sutton, Cecile Tournesac. Conductor: James Shearman. Music supervisor: Maggie Rodford. Score rrecording: Nick Taylor.

 

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Jane Eyre (2011) Dario Marianelli

71j7uwzkmzL._SL1500_Notable puesta en escena del clásico de la literatura inglesa que cuenta con versiones cinematográficas anteriores y que en la edición de los óscar le valió la estatuilla al mejor vestuario gracias de su exquisita ambientación de la época victoriana. Siempre bajo mi punto de vista Cary Fukunaga consigue un drama que se polariza en la gran actuación de la actriz australiana Mia Wasikowska a la que seguramente descubrimos en Alice In The Wonderland, filme estrenado en 2010 por el gótico Tim Burton. En el apartado musical destaca la obra de Dario Marianelli que recordaremos de Pride & Prejudice (2005). 

La película

Con esta al menos en catorce veces se ha llevado al cine la historia de Charlotte Brontë, desde los albores en 1910 con Theodore Marston en la dirección y guión a la de 1943, Alma Rebelde en castellano, con Orson Welles y Joan Fontaine, dos de los grandes nombres del cine de Hollywood. Existe pues, una buena gama de adaptaciones para todos los gustos y colores.  Jane Eyre es una novela feminista, habla de la independencia de la mujer que elige su futuro en contraposición a la que se casa por categoría y por necesidad, Jane es, pues, una precursora de la mujer emancipada y liberal.

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La del realizador norteamericano Cary Fukunaga con guión de Moira Buffini incide en este aspecto y en mi opinión sale airoso con una buena película y con una pareja de actores que nos hace sentir la historia, Michael Fassbender en la piel de Edward Rochester y Mia Wasikowska como Jane Eyre.  Una de las características es la organización de las escenas en diferentes flashbacks desde el momento que Jane huye de  Thornfield Hall, momento en que el filme empieza cuando el padre St. John Rivers (Jamie Bell) la acoge junto a sus hermanas Mary y Diana.

Huérfana a temprana edad, Jane Eyre, es entregada por su tía, la señora Sarah Reed (Sally Hawkins) al colegio de niñas Lowood School dónde crece bajo una educación cruel supervisada por el sr. Blocklehurst.

Su llegada a Thornfield Hall abre una nueva etapa en la vida de joven, ahora  institutriz de una niña francesa, Adèle Varens, bajo custodia del sr. Edward Fairfax Rochester. Con el paso de los meses nace una relación entre Jane y Edward que se convertirá en amor hasta el punto que él le pide en matrimonio, pero un oscuro pasado se esconde detrás de las paredes de Thornfield.

La música

Dario Marianelli (Agora, 2009; Anna Karenina 2012) nos ofrece una partitura inspirada en las escenas. La obertura, “wandering jane” es una pieza que nos descubre todas las intenciones del compositor, prioridad narrativa para los violines que nos envuelven en una historia triste, aunque Jane Eyre le confesará más tarde a Edward Rochester que su pasado no es triste.  Bajo este disfraz de cuarteto de cuerdas se esconde una influencia, para mí lo suficientemente evidente, de Clint Mansell o James Newton Howard (The Village) aunque también hallamos sus propias influencias en filmes victorianos como la aplaudida Pride & Prejudice (2005).

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La partitura está concebida para instrumentación de cuerdas, aunque parte de la narrativa recae en el piano, uno de estos temas es “a game of bádminton” o “in jest or earnest”, “life on the moors”, piezas que rompen con las pistas para orquesta que aunque se van repitiendo forman un todo lírico, hasta llegar a “the wedding dress”, culminante solo para piano al que se enlaza el de violín en una perfecta sintonía.

“Waiting for Rochester” es otro de los temas emotivos del filme que con “awaken” contiene uno de los pasajes más desgarradores de la partitura reservado para la escena final del filme, cuando Jane regresa a un Thornfield pasto de las llamas. Edward está ciego, pero aun así Jane se acerca a él y se abrazan. Fin de la historia de una búsqueda de sentimientos. En este sentido el solo del violinista Jack Liebeck confiere a la obra una enorme intensidad.; “my Edward and I” es la pista final para piano y orquestra, un final a la altura de una versión notable de Jane Eyre de Cary Fukunaga.

La banda sonora fue publicada el 29 de noviembre de 2011 por el sello discográfico Sony BMG

Puntuación de la película: 4/5

Puntuación de la música: 4/5

Tracklisting:

1. Wandering Jane *** 3:19
2. A Thorough Education 2:27
3. Arrival At Thornfield Hall 1:19
4. The End Of Chilhood *** 1:17
5. White Skin Like The Moon 2:48
6. A Game Of Badminton *** 0:59
7. In Jest Or Earnest *** 2:07
8. “Do You Never Laugh Miss Eyre?” 1:24
9. A Restless Night 2:00
10. Waiting Dor Mr Rochester *** 2:13
11. Yes! 2:06
12. Mrs Reed Is Not Quite Finished 1:34
13. The Wedding Dress *** 2:13
14. An Insuperable Impediment 3:01
15. Jane’s Escape 2:19
16. Life on The Moors *** 1:24
17. The Call Within 3:44
18. Awaken *** 4:28
19. My Edward and I *** 3:56

 

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La Cordillera (2017) Alberto Iglesias

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Estrenada en el contexto del Festival de Cannel 2017 La  Cordillera es una película argentina dirigida por Santiago Mitre (La Patota, 2015; El Estudiante, 2011) y que bajo pretexto de un argumento político nos ofrece una película con desviaciones psicológicas en sus personajes, una nueva aportación a la relación paterno-filial y que reflexiona sobre la vida que envuelve la política.

La película

Santiago Mitre dirigió y co-escribió el guión de este filme político centrado en una cumbre de jefes de Estado aislados en lo alto de una cordillera de Chile, en Valle Nevado, a cuarenta quilómetros de Santiago de Chile. Estrenada en 29 de septiembre de 2017 el filme recibió diversas nominaciones en la sección Certain Regard del Festival de Cannes. Un final abierto y que deja interrogantes en los espectadores es una de las críticas que ha recibido junto a su elegante puesta en escena.

Ricardo Darín interpreta al presidente de Argentina Hernán Blanco que viaja hasta la cumbre iberoamericana en un momento de su vida personal complicado y con la amenaza que el ex de su hija Marina (Dolores Fonzi) ensucie su nombre con revelaciones de su pasado. Así pues, Hernán manda traer a su hija hasta el resort dónde se celebra la Cumbre y dónde se desarrolla todo el argumento del filme con personajes muy próximos y que deciden por Blanco como Luisa Cordero (Erica Rivas) secretaria del presidente o el ministro Castex (Gerardo Romano).

La Cordillera es una historia de poder, un House Of Cards, pero con dos historia, la política y la personal que cuenta la relación de un padre con su hija, para favorecer la psicología de los personajes aparece un personaje recurrente, el psiquiatra que hipnotiza a Marina, y para dar mayor amplitud al relato político aparece Christian Slater interpretando al agregado norteamericano, Dereck Mckinley, un apellido recurrente en la relación América del Sur-Estados Unidos. Hasta ese punto, la película que ha tenido un arranque lento gana interés y cuando consigue llamar la atención y la intriga, la película acaba, con lo que se trata de un final demasiado abierto.

En cuanto a la participación española cabe destacar el papel de la periodista Claudia Klein interpretado por Elena Anaya y, claro está, la del compositor donostiarra, Alberto Iglesias.

La música

La huella herrmaniana en la música de cine española sigue con La Cordillera del donostiarra Alberto Iglesias (The Constant Gardener, 2005; Los Abrazos Rotos, 2009; Che, 2008), una partitura que mezcla la intriga y el drama político en un formato poco usual de cuatro suites  sinfónicas y de corte clasicista publicada por Quartet Records el 29 de septiembre de 2017. Si en el filme hallamos las influencias de House Of Cards o algunas escenas de La Bruja, en la partitura escuchamos las influencias de NorthbyNorthwest de Herrmann, una influencia algo evidente tratándose de un filme de altas cumbres. Otra característica es la música pausada que se ciñe al desarrollo de la trama de La Cordillera.

“El hombre común” nos presenta todo lo anterior, el piano como elemento narrador y las cuerdas que mantienen el suspense gracias a los silencios, y lo mismo escuchamos en “hipnosis”, una de las escenas clave de este filme y que Iglesias remata con notas de intriga a las que sólo les faltaba el chirrido de los violines para adentrarnos en una escena de terror.

“La cumbre” es la cuarta pista y sigue con la carga melódica de la primera suite, si bien la partitura se mantiene dentro del eje narrativo, no destaca más de lo suficiente despareciendo a mitad del corte y se rehace sólo con las notas de piano.

La cuarta pista, “¿usted cree en el mal, presidente?” nos despierta con notas de acción para orquesta y percusión.   

Tracklisting:

1. El hombre común 15:38
2. Hipnosis 14:56
3. La cumbre 9:12
4. ¿Usted cree en el mal, presidente? 12:28
Music by: Alberto Iglesias. Orchestra contractor: Isobel Griffiths. Orchestrator: Jeff Tinsley. Musician, double bass: Steve Mair. Violin: Mark Berrow. Additional production/studio guitarist: Ryan Walsh
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El Guardián Invisible (2017) Fernando Velázquez

61ieQtHnTEL._SS500Seguimos moviéndonos en territorio del suspense, pero en esta ocasión de la mano del realizador Fernando González, responsable de la exitosa Tres Metros Sobre el Cielo (2010) y Tengo Ganas de Ti (2012), Palmeras en la Nieve (2015) y de la batuta de Fernando Velázquez (Lo Imposible, 2010; Un Monstruo viene a verme, 2016). Esta película es una de las mejores del cine español en esta cosecha de 2017, y sirve a González para firmar otra producción muy coherente con su filmografía a la vez que nos descubre un Valle ciertamente desconocido en lo recóndito de Navarra.

La película
Un buen libro no se salva de una versión cinematográfica y más si se trata de un bestseller español leído en la espera de un aeropuerto por un ávido director de cine que se pone en contacto con la autora y su representante. Luego todo depende del enfoque y la ambientación para lo cual el equipo de El Guardián Invisible se dejó caer por un lugar de Navarra llamado Elizondo. Las localizaciones son forales, por lo que el filme confiere un correcto enfoque de los asesinatos del Valle de Baztán.

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Marta Etura es la comisaria Amaia Salazar encargada de la investigación del asesinato de Ainhoa Elisazu del que sobresale una prueba, un txantxigorri, un dulce típico de la zona que el asesino ha colocado sobre el pubis de la víctima y que a la postre constituirá una de las principales pruebas para esclarecer el asesinato. Al principio del filme el comisario jefe (Pedro Casablanc) encarga a Amaia el caso, ya que conoce la zona y cuenta con experiencia en casos similares, pero lo que parecía un caso aislado se complica ya que aparece un segundo cadáver relacionado que parece enlazar con crímenes ocurridos en la zona y que cesaron inexplicablemente siete años atrás.
La investigación de Amaia y Jonan Etxaide (Nene) les lleva a confrontarse con personajes del pueblo incluyendo la hermana de Amaia y encargada de la obrería Salazar, Flora (interpretada por Elvira Mínguez). Este será el detonante para apartar a Amaia de un caso que cada vez se torna más estrecho y del cual los flashbacks que nos propone Fernando González tiene su sentido al final.

La música
La banda sonora para El Guardián Invisible fue grabada por el Orquesta Sinfónica de Navarra y el Orfeón Pamplonés bajo la batuta del compositor Fernando Velázquez. La audición no deja lugar a las dudas acerca de este referente de la música del cine español, compositor de corte clásico, sinfónico, que ofrece un repertorio muy convincente, como lo han sido los encargos que ha recibido de la industria del cine nacional y norteamericana.
En el Orfanato (2007) y en Mamá (2013) ya escuchamos el lado oscuro de Velázquez que siguió creando obras para el cine de miedo en la gótica recreación en 2015 de La Cumbre Escarlata.
Puede que por mi cabeza las notas de The Ghost and Mrs Muir formen parte ineludible de la historia del cine y sean la notas más inspiradas de Bernard Herrmann, y sean las mismas que inspiren pasajes de este Guardián en “viaje a Elizondo”. En este viaje al Valle de Baztán Velázquez nos regala un pentagrama con notas líricas que saborean trazos orquestales de maestros como Howard Shore, Jerry Goldsmith (el último tema “el guardián invisible” no presenta la figura sobrecogedora del Basajaun que en una postrera entrega seria quien explicase el significado de los huesos hallados en la cueva.
Temas corales como “otro hallazgo junto al río” refuerzan la aureola misteriosa de la banda sonora, y es que si en algo destaca es en las dosis de música de suspense más tradicional que se deja oír en piezas como “los recuerdos de Amaia”, “otro hallazgo en el río”, “el secreto de Freddy”con notas sobrecargadas y texturas densas.

La banda sonora fue publicada por Atresmedia el 1 de marzo de 2017 y consta de diecisiete temas de corte sinfónico.

Tracklisting:

1. Viaje a Elizondo *** 1:44
2. Ha desaparecido otra niña 2:19
3. Los recuerdos de Amaia 2:40
4. Otro hallazgo junto al rio 5:09
5. La historia del Besajaun 6:36
6. Investigación 2:13
7. El secreto de Freddy 3:17
8. No te vayas nunca 3:30
9. Atando cabos 4:09
10. La lectura del Tarot 2:41
11. El secreto de Montes 5:26
12. Ir al origen 5:18
13. Amaia y su madre 4:16
14. Hallazgos macabros 7:06
15. Los motivos del asesino 3:21
16. Algunas explicaciones 6:01
17. El Guardián Invisible *** 1:01

 

Publicado en OST 2007 | Deja un comentario

The Conjuring 2 (2016), Joseph Bishara

517JxUvD-mL._SS500Esta es la saga de terror por excelencia, dirigida por James Wan, la segunda entrega llevaba por título El Caso Enfield, basado en hechos reales acaecidos en el Reino Unido. Otra vez el matrimonio Warren es requerido para informar de una serie de episodios paranormales y de una inquietante presencia demoníaca en una casa de Enfield, a las afueras de Londres. Una vez llegas al final sólo puedes congratularte de haber visto una peli de terror que te hace sospechar de cualquier ruido extraño en la casa, y si consigue eso, es que el resultado es satisfactorio.   

La película. ¡Vamos a pasar un mal rato! En el buen sentido de la palabra, para los que queremos más de The Conjuring y queremos un The Conjuring 3, esta es nuestra saga. James Wan llega otra vez a las puertas de los Warren después de firmar títulos tan solventes como Saw (2004), Insidious (2010) o la película que metió a Ed y Lorraine Warren en un atolladero repleto de entes entre los que sobresale la inquietante monja diabólica que emana en los sueños de la pareja. Y sí!, James Wan es el autor también junto de John R. Leonetti de Annabelle (2014) la malévola muñeca que reposa en la habitación de los fetiches de la pareja y que parece cobrar vida cada vez que la cámara la enfoca.

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Vera Farmiga y Patrick Wilson repiten en sus respectivas interpretaciones de Lorraine y Ed Warren. Después del primer caso de la familia Perron que se estrenó en 2013 la conocida pareja trabaja en el caso Amityville que sirve para abrir The Conjuring 2, y con el que Lorraine viaja en un plano astral hasta el día de los asesinatos y descubre una presencia demoníaca que amenaza con acabar con la vida de Ed.

Paralelamente la acción se sitúa en Enfield, un barrio de Londres, dónde una chica, Janet Hodgson (Madison Wolfe) es objeto de la persecución de una entidad viajando también el plano astral. Los episodios sobrenaturales se suceden incluso durante la inspección de una pareja de la policía y periodistas. La noticia había saltado a la prensa y televisión e incluso se había grabado a Janet hablando por Bill Wilkins, el anciano de 72 años fallecido en la casa de Enfield.

Aunque hacen votos para abandonar la investigación y dedicarse a las conferencias, reciben el encargo de evaluar los episodios paranormales de la familia Hodgson, y aunque todo pueda explicarse por la fantasía de Janet que incide en sus hermanos Margaret, Billy y Johnny, en las escenas finales Ed y Lorraine descifran el mensaje de ayuda que Bill Wilkins les está transmitiendo y que él es sólo un títere en manos de un ente más perverso y que es el que aparece en los pensamientos y sueños de los Warren.

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La música. Disonante, coral asfixiante, crescendos chirriantes, y con gran variedad de registros melódicos ideales para pasar un mal rato. Joseph Bishara ha sido el Bernard Herrmann de James Wan y hasta ahora ha colaborado en los títulos más tenebrosos del cine de terror actual, tal es el caso de Insidious o de The Conjuring, lo que le ha permitido especializarse en “música para pasarlo mal”, con aportaciones atmosféricas y estridentes como “not a heaven man” dónde el lenguaje disonante de cuerdas desgarradoras cede paso a una breve coral femenina, o sin las voces femeninas es igual de inquietante “crooked moving”. Así es The Conjuring 2 que no añade nada nuevo a la receta del compositor norteamericano pero nos deja una partitura arquetipo del cine de terror.

Los brevísimos temas “taped voices”, “she’s alive” son los únicos de cortes líricos que podemos disfrutar.

La banda sonora fue publicada el 3 de junio de 2016 por la discográfica WaterTower Music.

Tracklisting:

1. Enfield Opening 0:45
2. As Close To Hell 3:31
3. The Conjuring 2 0:45
4. It Isn’t Real 0:44
5. Tented Entity 2:18
6. Asserted Presence 2:31
7. Jarred Awake 3:20
8. House Search 1:26
9. Nun Painting 2:41
10. Old Man Bill 1:02
11. From The Grave 3:57
12. Crooked Moving 1:28
13. Taped Voices *** 1:01
14. Cross Room 0.58
15. Psychic Sharing 3:26
16. Not A Heaven Man 3:33
17. Ceiling Teleportation 1:39
18. Submerged Entity 1:45
19. Changes Everything 1:18
20. Help It Let Go 1:49
21. Dual Levitation 0:52
22. Souls Cast Out 2:00
23. Trapped Apart 2:23
24. Whats Your Name 1:11
25. Book Inscribed 0:50
26. Crooked Face 0:29
27. Demon Called 2:11
28. She’s Alive *** 0:59
29. Crooked Man Rhyme 0:52
30. Soaring Phemonea *** 1:52
Music by: Joseph Bishara. Composer, family theme: Mark Isham. Score coordinator: Alisa Burket. Orchestrator: Brad Dechter, Dana Niu. Featured vocals: Diamanda Galás. Conductor: Jefrey Holmes. Singer ensemble: Ayana Haviv, Elyse Willis. Singer choir: Suzanne Waters. Choir conductor: Jasper Randall. Music editor: Lise Richardson. Music preparation: Victor Pesavento. Score engineer: Chris Spilfogel. Scoring technical support engineer: Ryan Robinson.

Font: ficha en imdb

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