20 años de L.A. Confidential

LA_Confidential_La_verdadera_Lana_2Un argumento sólido, un guión que se llevó el óscar entre otros premios, un retorno a uno de los géneros que mejor definen el cine norteamericano. Curtis Hanson (Falso Testigo, 1987; La mano que mece la cuna, 1992… ) firmó una de las grandes películas de la década de los 90, y el paso de los años sólo la han convertido en cine de culto, a la altura de otros clásicos, en parte gracias a su puesta en escena, fotografía a cargo de Dante Spinotti y entre los actores destacamos al australiano Guy Pearce, Kim Basinger, Russel Crowe, Kevin Spacey, Danny DeVito, James Cromwell… y evidentemente, en el apartado musical, Jerry Goldsmith firmó una partitura con todos los gags necesarios para que funcionara.

A pesar de ser uno de los filmes escogidos en 2015 por la Biblioteca del Congreso de los EEUU como “cultural, histórica y estéticamente significativa”, en su día llegó a las pantallas con pocas expectativas altas, ya que la base de su argumento, el tercer libro de James Ellroy de sus cuatro títulos sobre Los Ángeles, L.A. Quartet, había funcionado en las ventas sin ser un bestseller, y convertido en una  obra del género. Lo mismo ocurría con el coguionista, Brian Helgeland, conocido hasta entonces por su aportación en Pesadilla en Elm Street 4, sólo con este bagaje es entendible el poco margen de éxito que se auguraba al largometraje de Curtis Hanson.LAConfidential_320Pyxurz

La película contó con un presupuesto de 35 millones de dólares y recaudó más de 126. Fue presentada en el Festival de Cannes dónde cosecho buenas críticas en Francia. Oficialmente se estrenó un 19  de septiembre de 1997, y fue nominada a 9 estatuillas de Hollywwod, consiguiendo 2 en los apartados, curiosamente dónde residían más dudas, a Kim Basinger como actriz de reparto y Brian Helgeland, por su guión adaptado. En cambio otros certámenes de la crítica como Boston Society of Film Critics le concedió el premio a mejor película, director, guión y  actor de reparto a Kevin Spacey. Sólo como anecdotario diremos que 1997 fue el año del Titanic de James Cameron..

Ambientada en Los Ángeles, a principios de los años 50, el argumento se centra en la consentida en el seno de la policía, y en una sociedad igualmente corrupta, en la que Sid Hudgens se dedica a sacar algunos trapos sucios a través de su revista Secretitos. De hecho, es éste quien abre con su voz en off la narración del filme. Guy Pearce encarna a Ed Exley, un sargento de policía de Los Ángeles, hijo del legendario detective Preston Exley, obsesionado con la justicia y en limpiar el departamento de polis corruptos; con ello se ganará el odio  y los recelos de sus compañeros, y aunque el capitán Dudley Smith también se sienta incómodo, no le considera un estorbo, ya que “el departamento necesita hombres listos como Exley”. Un hecho unirá a Ed Exley, Bud White y Jack Vincennes en la investigación de un crimen múltiple ocurrido en el Café Nite Owl. Este caso, es el que centra la atención del espectador, pero paralelamente se tejen otras tramas que confluyen en una sola línea. No en vano, la densidad del libro, lo hacia infilmable, mérito éste de Hanson y Helgeland. Una de estas historias implica un triangulo amoroso entre Lynn Bracken (Kim Basinger), Ed Exley y Bud White (Russel Crowe), el cual está investigando un caso de prostitutas asesinadas.

La trama lleva hacia el capitán Smith, y Jack Vincennes así se lo plantea cuando le hace una visita para hablar de Rollo Tomassi. Se trata de una de las escenas centrales del filme, otra más que jalonan el metraje de Hanson.

Jerry Goldsmith fue la batuta elegida, un todo terreno, y nos ofrece una partitura de cine negro, que también nos recordará su célebre aportación en Basic Instinct.

Para quien no lo haya visto, o la deje de lado por tratarse un filme de finales de los 90, este 20 aniversario es una buena oportunidad para redescubrir un la grandes aportaciones al cine negro.

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Ghost in The Shell (2017), Clint Mansell-Lorne Balfe

1-i9HyWb05ALoXceSQ2P03LAPelícula para lucimiento personal de Scarlett Johanson tras algunos años de proyectos tan variados como Lucy de Luc Besson, lo más parecido a su papel de la Mayor en este Ghost, Sing (2016) película animada o la Viuda Negra en Captain America: Civil War. Para Clint Mansell (Blac Swan, 2011; Noáh, 2014) éste fue un proyecto muy diferente, una versión futurista del estilo poderosos del compositor británico en colaboración con Lorne Balfe (Ironclad, 2011; The Dilemma, 2012, en colaboración con Hans Zimmer), una partitura electrónica que nos sorprende por el cambio de registro de un compositor avezado en la instrumentación clásica, y de la suma de los atributos de Lorne Balfe resulta una atmósfera cyberpunk, y no carece de polémica ya que Lakeshore Records canceló sin dar explicación su lanzamiento comercial. Polémica en el apartado musical y en el apartado interpretativo, ya que el casting no fue exento de la misma.  

La película. Para Rupert Sanders (Black Hole, 2010; Snow White and the Huntsman, 2012) ésta también es una propuesta que se escapa de sus registros anteriores. A pesar de su futurismo y algunos guiños inevitables a Blade Runner, la ciudad de Sanders es un lugar con poca luz y mucha electrónica. El guión de Jamie Moss, Williams Wheeler y Ehren Kruger nos proponen una nueva adaptación del cómic manga japonés de Masamune Shirow que protagoniza Scarlett Johanson como la Mayor Mira Killian-Motoko Kusanagi liderando una unidad Sección 9, grupo especializado en la lucha contra los ataques tecnológicos y los ciberterroristas que dirige, su hermano, Kuze (Michael Pitt), un experimento anterior de combinar un cerebro humano en un cuerpo de sintético. La doctora Ouélet (Juliette Binoche) es la reponsable del proyecto que da vida y repara a Mira Killian. La implantación del cerebro de Motoko Kusanagi en el cuerpo de la Mayor ha sido un éxito hasta que ésta empieza a tener recuerdos propios y dudas. Batou (Pilou Asbaek) es el tercer combatiente de la Sección 9 después de Mira y Duisuke Aramaki (Takeshi Kitano).

La trama responde a un filme plenamente futurista, policíaco, de suspense, ambientado a mediados del s.XXI en un estado neo-japonés en un contexto de ciberificación transhumanista.

Ghost in the Shell tiene un sentido más allá de la acción y la narrativa explorando muchos temas filosóficos, económicos, socio-políticos. Rupert Sanders también consigue ponderar el mensaje del filme sobre el existencialismo y el humanismo, el consumismo, la disparidad de clase económica, la corrupción política industrial y los grupos políticos radicalizados. Y como en su gran referente, Blade Runner, los recuerdos tienen un valor emocional incalculable, de hecho es el implante que le administra la dra Ouélet en las escenas finales lo que da sentido a la vida de Mira Killian en su vida anterior como Motoko Kusanagi.sp-mg-20170403-164313-review-ghost-in-the-shell-2017

La música. No todos los compositores consiguen que su OST sea comercializada en el momento de salir a escena el filme, un privilegio sólo alcance no nombres como Hans Zimmer, este ha sido el caso de Ghost In The Shell (2017), la partitura que firman dos batutas muy cotizadass en la música actual, Lorne Balfe y Clint Mansell, y que nos ofrecen una obertura “shelling sequence” atractiva de escuchar, con ribetes a lo Graeme Revell o Daft Punkt o Steve Jablonsky, una pieza que empezamos a escuchar en el momento en que crean a Mira Killian. A pesar de contener piezas futuristas y que encajarían en un cedé comercial, cuesta entender cómo la productora Paramount, propietaria de los derechos, desechó la opción de estampar el cedé a la vez que el filme se exhibía en las salas de cine. Todo ello, llevó a Lorne Balfe a un llamamiento solidario para pedir la edición de las más de treinta pistas en: https://www.change.org/p/paramount-release-the-ghost-in-the-shell-2017-soundtrack-by-clint-mansell-and-lorne-balfe-gitsost

La banda sonora es pura base electrónica, y en otro de sus grandes temas “lights of soho” podremos disfrutar de la música electrónica y los coros femeninos. Otra de las pistas que podemos escuchar es  el track de coro femenino “Utai IV: Reawakening” del compositor japonés Kenji Kawai.

Puntuación del filme: 7/10

Puntuación de la partitura: 6/10

Track list: 

01 Shelling Sequence 2:22 ***
02 Reborn
03 1 Year Later
04 The Hack
05 Geisha Attack
06 Major Awakes
07 New Port City
08 Glitch Appearing
09 Shell Maintenance
10 Deep Dive
11 Back Room
12 Aftermath
13 Are You Human
14 Dr Dahlin’s Death
15 Brain Hack
16 Chase
17 Suspect’s Interrogation
18 Search
19 The Enemy’s Private Network
20 Revelation
21 Meeting With Your Creator
22 Water Scenery
23 Back On Track
24 Captured
25 Judgement’s Day
26 1912 Apartment
27 Who Are You
28 We Are Burned
29 Forgotten Memories
30 The Spider Tank Battle
31 A Last Goodbye
32 Epilogue
33 End Credits Part 1
34 End Credits Part 2

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Underworld: Blood Wars (2016) Michael Wandmacher

61PZbdc6jVL._SS500De los títulos de la saga, éste es el que nos muestra la endeblez de la heroína vampira en la guerra contra todos y todos contra ella. A pesar de tratarse de títulos sumamente oscuros y góticos, en esta ocasión aparecen hasta incluso vampiros elfos en el aquelarre del Norte más inhóspito que  la enseñaran algo hasta entonces desconocido, a renacer de la muerte a través del poder del agua.

La película, escrita por Cory Goodman y dirigida por Anna Foerster cuenta en su apartado interpretativo con Kate Beckinsale (Selene), Theo James, Charles Dance, Lara Pulver…  De hecho, alguien concibe Underworld sin Kate Bekinsale? Para la realizadora Anna Foerster conocida por sus trabajos en series como Outlander (2014), Mentes Criminales (2009-2011)… ésta ha sido su primera incursión en los largometrajes.

Después de Underworld Awakening (2012) han pasado los años desde que Selene, la guerrera de la muerte, se separara de su hija y ahora más que nunca es perseguida por los licántropos liderados por Marius que ansían su poder y el de Eve, su hija, así como los vampiros buscan venganza tras la muerte de Victor y Marcus. Tras ser salvada por David deciden buscar la clemencia del consejo liderado por Cassius. Este hecho desembocará en las luchas internas de Alexia por hacerse con el poder, el exilio de Selene a las tierras del norte dónde descubre un último secreto y finalmente otra batalla final contra los licántropos y Alexia.

16230662_459372807786945_6916575295793266688_nEl apartado musical corrió a cargo del compositor de Minneapolis, Michael Wandmacher, que se ha pasado de las aportaciones para la televisión al cine de acción y terror en títulos olvidadizos como My Bloody Valentine (2009), Piranha 3D (2010), Drive Angry (2011) hasta llegar a Blood Wars, una partitura que se mueve entre la orquesta y la música electrónica y que nos ofrece algunos detalles como el vals bufo “the trek”, pero si esperamos algo de Blood Wars son las piezas atmosféricas entrelazadas en temas de acción.

En el apartado musical, Michael Wandmacher, se mueve entre lo correcto y lo comedido en las escenas de acción, “nightshade”, ”David rescues selene”, “lycans attack”. Su obertura, “what came before” se oye sin que nos llame la atención, cosa que si se consigue en el vals, “sui generis” “the trek”, una pieza entre bufa y “power”, la aportación más lírica que consigue Wandmacher. En cambio nadie podrá negar que un tema como “fate” parece sacado de un chilhood, y nada tiene que ver con la suite final, “end title suite”, el resumen de esta partitura, y el tema que destaca por encima del resto. Otras pistas que debemos escuchar, “marius”, una pieza que destaca del resto por su solo de guitarra eléctrica; “lockdown” es un tema puramente atmosférico que nos envuelve en el sonido del viento, así como “the true elder”, otro ejemplo con base electrónica.

En conclusión, película simplemente entretenida y música correcta, diáfana, y a pesar que nos sorprende, encaja a la perfección.

Puntuación del filme: 3/5

Puntuación de la BSO: 3/5

Track list:

1. What Came Before 2:15

2. Selene Is Found 3:15

3. Thomas Arrives 3:06

4. Marius 2:58

5. Clemency 1:38

6. Lockdown 2:33

7. Nightshade 1:44

8. David Rescues Selene 2:45

9. The Trek 3:59

10.The Nordic Coven 2:39

11.All I Want Is Her Blood 1:03

12. Valeesah 2:17

13. Power 1:30

14. She Belongs to the Sacred World 1:37

15. Semira Confronts Alexia 2:00

16. The True Elder  2:28

17. Lycans Attack 2:59

18. Sunlight 1:21

19.  I Killed You Once 1:18

20. Duels of Destiny 2:38

21. Fate 1:48

22. End Title Suite 8:39

23. Sound of Your Scream 4:02

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Philip Seymour Hoffman (Fairport, 23.07.1963 – Nueva York, 2.02.2014)

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Ha sido y es, uno mis  actores favoritos en la escena del cine actual, y por circunstancias de la vida misma, falleció un 2 de febrero de 2014. Será recordado por Capote (2005) con la que consiguió el óscar a mejor actor y con ello el reconocimiento a un talento único.

 “Un camaléon en Hollywood.  Su físico, de chico sonrojado y gordito, no le ha ayudado a ascender deprisa en el mundo del cine”. Begoña Piña, La Vanguardia, 7 de marzo de 2006

Sus grandes actuaciones no han quedado en el olvido, aunque para el mundo mass media, su interpretación en la exitosa saga The Hunger Games como Plutarch Heavensbee lo catapultó entre los actores de referencia, y quizás este detalle nos pone sobre la pista de un actor que ha intervenido en multitud de títulos de imprescindible visualización. Aunque empezó con papeles secundarios en Twister (1996), La Huída (1994) en 2002 llega la interpretación de una historia que se mueve entre la comedia y la melancolía en Love Liza del director Todd Louiso. Hoffamn da vida a Wilson Joel, un diseñador de páginas web,  que se ha quedado viudo tras el suicidio de su esposa. Incapaz de abrir la carta que ella le dejó, busca una explicación en su suegra, Kathy Bates. Eseprimer papel protagonista fue escrito por su hermano, Gordy Hoffman, y con él se ganó el respeto de su gremio. Un año más tarde llega su histriónica interpretación del reverendo Veasey en Could Mountain, un filme de 2003, para lucimiento de Nicole Kidman y Jude Law en plena Guerra Civil Americana, en la que también podemos ver a Renée Zellweger, en la piel de un marimacho llamado Ruby Thewes con el cual consiguió el óscar a mejor actriz de reparto. Bajo las órdenes de Anthony Minghella Seymour Hoffman entraba de lleno en su mejor época.

Después de filmar otra comedia romántica Along Came Polly (2004) para la pareja Ben Stiller-Jennifer Aniston, llega su gran oportunidad en Capote (2005), un filme en el que sólo brilla él y en el que el personaje se engulle al actor.  Bennet Miller dirigió este filme obsesivo sobre un escritor que cambió la novela norteamericana con la inclusión del estilo periodístico. El argumento  se centra en la época que Truman Capote escribe su obra maestra, In Cool Bllod –A Sangre Fría. Obtuvo las 5 nominaciones clave a los Óscar, mejor dirección, mejor guión, mejor película, mejor actriz de reparto y, el que fue el ganador de la edición 2005, el mejor actor, Seymour Hoffman.

En 2006 J.J. Abrams estrena Misión: Imposible III con Seymour Hoffman como Owen Davian, el malo de la película. Otro filme comercial para Paramount Pictures y con Tom Cruise que repite  como Ethan Hunt con Ving Rhames y Michelle Monaghan (Julia) como esposa del agente Hunt. Si algo nos debe sonar es la famosa “pata de conejo” que los lleva a recorrer localizaciones en el Vaticano, Shangai…   Y después de la acción de ésta última, a la desgarradora historia de la The Savages, cinta dirigida y con guión de Tamara Jenkins quién se apoyó en Hoffman y Laura Linney para dar vida  a dos hermanos que se enfrentan a la muerte de su padre. En Charlie Wilson’s War (2007) se enfrenta a una reconstrucción histórica en la persona del senador estadounidense Charles Wilson, interpretado por Tom Hanks, en el contexto de la invasión soviética de Afganistan, además, el realizador Mike Nichols se hizo con los servicios de Julia Roberts, como la millonaria anticomunista, Joanne Herring y de Hoffman, en el papel de asesor y de agente de la CIA.

the-master-philip-seymour-hoffman-vintage-carSi bien meses antes se habían estrenado dos nuevos títulos, Before the Devil Knows You’re Dead y Synecdoche, New York, nuestra siguiente parada será Doubt en 2008, un filme muy discreto de John Patrick Shanley, “de narrativa tranquila” y que se salvó gracias al elenco de actores, y así lo entendió la Academia cuando nominó a cuatro de ellos en sus respectivas categorías. Además de Hoffman brillaban con luz propia Meryl Streep (hermana Aloysius), Amy Adams (hermana James) y Viola Davis (señora Miller).

En 2010 se enfrentó a su propio proyecto detrás de las cámaras, se trata de Jack Goes Boating con guión de Robert Glaudini y que fue estrenada en Sundance en 2010, y que en España aun esperaría a 2014 como legado del actor neoyorkino.

Es un cuento neoyorquino donde los protagonistas son todos adolescentes a la edad de ser casi abuelos“, explicó a Efe la actriz Daphne Rubin-Vega.

Y en 2011 se estrenaba el filme político, The Ides Of March, dónde Seymour Hoffman es el director de campaña, Paul Zara, del  candidato a la reelección Mike Morris, y Stephen Myers (Ryan Gosling) es el agente de prensa. George Clooney dirige esta trama de poder en la que se interpone el personaje de la becaria Molly (Evan Rachel Wood) que sacará a relucir la moral del candidato y la relación con el agente de prensa.

Después de interpretar a un entrenador de béisbol en Moneyball, y al líder de un movimiento filosófico en The Master, Francis Lawrence, realizador de The Hunger Games: Catching Fire (2013) llamó a su puerta para el papel del guardián de Plutarch Heavensbee. Se trataba de la secuela de un éxito comercial que se repite en esta segunda entrega, en la tercera estrenada en 2014 y en la última, Mockingjay Part-2 que ponía a las andanzas de Katniss Everdeen por las tierras de los distritos. Por aquel entonces, Philip Seymour Hoffman había fallecido, por lo que en los títulos aparece la dedicatoria a esta obra póstuma. The Hunger Games, las cuatro películas que componen la Trilogía, son notables, un aderezo de la literatura juvenil de Suzanne Collins al servicio del público  general. Compartieron pantalla actores de la talla de Jennifer Lawrence, Woody Harrelson, Julianne Moore, Elizabeth Banks, Donald Sutherland, Josh Hutcherson…

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Una última aportación al cine político y de suspense fue A Most Wanted Man (2014), dirigida por Anton Corbijn y basada en una novela de John Le Carré, queda claro pues el trasfondo de espionaje y suspense en un argumento que gira en derredor de los atentados del 11-S. Otra vez se rodeó de un importante grupo de actores y actrices, William Dafoe,  Rachel McAdams, Robin Wright, Daniele Brühl.

 

Enlaces de interés

http://www.telegraph.co.uk/culture/film/3650198/How-I-captured-Capote.html

https://www.theguardian.com/film/2014/feb/07/capote-philip-seymour-hoffman-in-cold-blood

https://www.blogdecine.com/criticas/la-familia-savages-inmensa-laura-linney

http://www.elpais.com.uy/divertite/cine/jack-goes-boating-legado-seymour.html

http://www.elmundo.es/cultura/2014/02/02/52ee8ea1ca47411e078b456c.html

 

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Genius (2016) Adam Cork

71sfsaDx7oL._SL1181_Me quedo con la escena final, porque es la que llega al corazón del espectador, Thomas Wolf había escrito el texto más corto y que más penetra en la sensibilidad de su editor Max Perkins, en palabras de su madre, el pasillo del Hospital dónde fallece era el mismo dónde falleció su padre, y era ese río que nos ofrece en su segunda novela, Of Time and the River.

La música corrió a cargo de Adam Cork, y en este caso debo confesar que apenas resalta por encima de la historia y la flamante actuación de  Jude Law y  Collin Firth, y eso, aunque suene mal, es la parte más positiva, tanto para el filme  que nos ofrece Michael Grandage como por la parte interpretativa que corrió a cargo de los dos anteriores actires, Law en el papel de Thomas Wolfe, Firth en el del editor Perkins, Laura Linney en la piel de Louise Saunders, la esposa de éste último y Nicole Kidman en la interpretación Aline Bernstein,  la amante de Thomas.

Aunque Michael Grandage es conocido por su faceta de actor, “La Locura del rey Jorge” (1994), en esta ocasión, al frente de las cámaras consigue un thriller convincente, la ambientación, a caballo entre los felices veinte del Gran Gatsby y 1936 es perfecta,  y se centra, exclusivamente, en la relación de Max quien reconoce en Thomas a un escritor excepcional a pesar de sus excentricidades.

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Adam Cork incluye música retrospectiva ambiental en algunos de sus temas “telegramas to Paris”, ”rhythms that inspire”, “swing gente swing Harlem”, así como nos inspira en las últimas notas a piano en “dear Max”.

Puntuación de la BSO: 3/5

Puntuación del filme: 8/10

Track list

  1. A Quick Look 7:11
  2. I Never Had A Friend 1:59
  3. It’s A Masterpiece 1:19
  4. I’ll Write You A Great Book 0:49
  5. Five Thousand Pages 2:34
  6. I Love You Max Perkins 2:49
  7. Rhythms That Inspire 2:44
  8. Swing Gently Sweet Harlem 3:14
  9. Relax Max 3:24
  10. Three In A Bed 1:58
  11. Forever A Stranger 2:44
  12. Are We Making Books Better? 1:02
  13. Telegrams To Paris 1:40
  14. Back In The Caveman Days 2:11
  15. You Know The Way Out 2:12
  16. Bedtime Story / A Myriad Of Tumours 4:10
  17. Requiem 1:52
  18. Dear Max 6:51
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Amy Adams (1974)

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2016 fue su año, entre otras cosas porque firmó proyectos comerciales y también porque encarnó a la galerista Susan Morrow en Nocturnal Animals de Tom Ford, una actuación aclamada por la crítica, y a Louise Banks, la experta lingüista en Arrival, la apuesta scifi del cineasta Denis Vilenueve.  

La actriz norteamericana nacida en Vicenza (Italia) el 20 de agosto de 1974, hija de militar destinado a Europa, ha encadenado desde 2005 diversos reconocimientos a su carrera que incluyen cinco nominaciones a los oscar por actriz e reparto y actriz principal por su papel en American Hustle (2013) y hasta siete para los Globos de Oro, consiguiendo el galardón en 2013 por American Hustle y en 2014 por Big Eyes; ha sido también la última cara desde 2012 para la periodista Lois Lane en el Hombre de Acero, Batman versus Superman y Justice League, pendiente de estreno en 2017.

Amy Adams hizo sus primeros pinitos en la gran pantalla en 1999 por partida doble. En la comedia oscura Drop Dead Gorgeous dirigida por Michael Patrick Jann y protagonizada por la tríada de actrices de moda Ellen Barkin, Denise Richars y Kirsten Dunst. La segunda fue la secuela de Cruel Intentions 2: Manchester Prep en la que da vida a Kathryn Merteuil, una rica, hermosa y manipuladora interpretada en la primera entrega por Sarah Michelle Gellar.

Al año siguiente intervino en cinco proyectos de televisión, series como Buffy, la Cazavampiros; Providence o el telefilme The Peter Principle. A la vez siguió trabajando en el cine, en el corto The Chromium Hook y Psycho Beach Party del realizador Robert Lee King, una irrelevante comedia de horror.

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en el papel de Amelia en Noche en el Museo 2

A partir de 2002 centrará su carrera en el cine, en comedias románticas como Serving Sara, Pumpkin, y compartiendo cartelera en un su primer filme comercial Catch Me If You Can de Steven Spielberg con Leonardo DiCaprio, Tom Hanks o Christopher Walken.  Dos años después llegó otro proyecto que pasa desapercibido, The Last Run (2004), y en 2005 en la piel de Ashley Johnsten en Junebug, filme que se estrenó en el Festival Sundance de ese miso año. En esa ocasión interpretaba a una mujer embarazada, ideal para su imagen de actriz versátil especializada en comedias de todo tipo.

Su gran oportunidad llega con Charlie Wilson’s War (2007), un filme que se centra en el contexto de la invasión soviética de Afganistán en la que Tom Hanks se pone en la piel del congresista Charles Wilson junto a Julia Roberts, Philip Seymour Hoffman, Emily Blunt. Siguió en 2008 The Doubt y una cinta comercial que no cuajó, Noche en el Museo 2 en la que repetían Ben Stiller y Owen Wilson y en la que encarnaba a la aviadora Amelia. Ese mismo año actúa junto a Meryl Streep en Julie&Julia, otra incursión en la comedia melodramática, en la que da vida a una Julie Powel, empecinada en cocinar las recetas del libro de Julia Child.

En 2012 llega a las pantallas un nuevo golpe de efecto en la carrera de Adams con Trouble with the Curve de Robert Lorenz, con Clint Eastwood, Justin Timberlake, John Goodman. La película es otro drama que la pone en el tintero de nuevos proyectos, entre otros Man Of Steel (2013), la nueva versión de Supernan, la exitosa American Hustle o Her.

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en el papel de Lois Lane en Man Of Steel

Los siguientes títulos los conocemos de sobras, con la excepción de Batman vs Superman: Dawn Of Justice, con Arrival (2016), consigue un nuevo reconocimiento de la crítica por el personaje de Louise Banks, experta lingüista encargada de ponerse de contacto, en nombre de la Humanidad, con los extraterrestres. Extraño, pero efectivo. Aunque algunos medios pedían una nominación a los Óscar por su interpretación, ésta llegó por el papel de Susan Morrow en Nocturnal Animals.

Nota: coincidió en tres ocasiones con uno de los grandes, Philip Seymour Hoffman con quien comparte cartelera en Charlie Wilson’s War (2007), The Doubt (2008) i The Master (2012), dos títulos que la colocan entre las actrices de referencia de la década actual gracias también a su actuación en La Gran Estafa Americana de David O. Russell estrenada en 2013 con la que consiguió el Globo de Oro por su interpretación de  Sydney Prosser.

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Fonts

http://www.interviewmagazine.com/film/amy-adams#_

http://www.fotogramas.es/Cinefilia/Amy-Adams-la-pelirroja-mas-luminosa

http://www.bbc.com/news/entertainment-arts-38744182

https://www.theguardian.com/film/2016/nov/10/arrival-review-amy-adams-jeremy-renner-science-fiction

Amy Adams in ‘The Master’

imdb

http://www.imdb.com/name/nm0010736/

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Nocturnal Animals (2016) de Abel Korzeniowski

nocturalanimalsSin duda un ejercicio muy sólido, tanto el apartado argumentativo como el musical que recayó en la batuta de Abel Korzeniowski, un compositor polaco de cine y teatro. Tom Ford nos ofrece un drama en el que destaca la actuación de Amy Adams por encima de un Jake Gyllenhaal muy creíble y que interpreta los papeles del marido de Susan Morrow, un escritor sin futuro y al marido atormentado al que una banda de delincuentes le asesina a su hija y a su esposa.  

La película

Tom Ford llevó a la gran pantalla el libro de Austin Wright; hoy día nada mejor que un buen libro para empezar un buen proyecto, y este es el caso de Nocturnal Animals, filme que ha cosechado reconocimientos como el Gran Premio del Jurado en Venecia, la nominación al Óscar de Michael Shannon –segunda nominación para él tras Revolutionary Road- o las 9 nominaciones BAFTA entre otras a la mejor dirección…

El argumento, aunque simple, entrelaza dos historias que se diluyen en el personaje de Susan Morrow. Tras veinte años sin saber nada de su ex marido, un escritor poco afortunado, Susan recibe el manuscrito de su obra “Nocturnal Animals” en alusión  a ellos dos durante los años de noviazgos. La obra está dedicada a Susan y poco a poco la embriaga y la absorbe, y se ve envuelta en sus recuerdos y en su vida actual con un marido que la engaña y una hija que vive lejos de casa.

La novela de Edward Sheffield narra la historia de Tony Hastings, un personaje que pierde a su esposa e hija (Laura e India) a manos de un grupo de delincuentes.

La música

Abel Korzeniowski escribió una partitura muy notable para el filme de Tom Ford, todo un reto que resolvió con habilidad adoptando antiguas fórmulas musicales de principios de los ochenta.  Así, sin más, “Waywards Sisters” es una obertura al más puro estilo goldsmithiano, sinfónico, con una predominio de las cuerdas; música que se diluye en las imágenes de la perfomance artística que organiza Susan en su galería.

La partitura cuenta con piezas para solo de cello interpretado por Nick Cooper, “revenge”, de violín, “crossroads” o piano, aunque lo que más nos llamará la atención son los temas “the field” y “fairy tale”, los dos últimos temas, casi en el clímax del mejor Bernard Herrmann en Vertigo.

“Mothers” en cambio es una de las pistas que escapan del tono melódico de una banda sonora notable que se escucha de un tirón.

Puntuación de la película: 4/5

Puntuación de la música: 4’5/5

Track list:

  1. Wayward Sisters 2:55
  2. Exhibition 1:12
  3. Restless 1:22
  4. A Solitary Woman 2:34
  5. Off the Road 4:26
  6. Revenge 3.13
  7. The Field 2:48
  8. Crossroads 2.56
  9. Mothers 2:28
  10. City Lights 1:14
  11. Table for Two 3:24
  12. The Field (Alt. Version) 2:47
  13. Fairy Tale 2:15
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